思念家鄉或某位家人時，人們往往會尋找一種與遠方重新連結的方式。仰望不需要任何媒介，也無須得到回應。當人們看著太陽與月亮，便能感到某種溫柔的連結，想著與家人、朋友相隔遙遠，依然看見同一片天空與同一抹月光，距離彷彿因此被暫時拉近。
在異地生活的經驗中，原本具體的地理位置逐漸轉化為一種流動的心理狀態，「家」不再只是固定的空間，而是存在於記憶與片段影像之中。語言與時差所帶來的落差，也讓「距離不僅是空間上的遠近，更是一種情感上的延遲與錯位」的感受更為深刻。
這樣的感受，成為表演影像設計師張瑋芳影像裝置作品《Look Up》的創作起點。
《Look Up》作品將影像與「仰望」與「抬頭」的身體動作相結合，延伸出一種重新召喚記憶的觀看方式。透過這個簡單的本能動作，影像不再只是被觀看的對象，而成為通往過去記憶的途徑。
《Look Up》：用影像召喚遠方的家
畢業於國立臺北科技大學互動設計（Interaction Design）與美國加州藝術學院（California Institute of the Arts）互動表演研究所（MFA Interactive Media for Performance）的張瑋芳（Wei-Fang Chang），是現居紐約的旅美影像設計師與新媒體藝術家，創作橫跨劇場、裝置藝術與系統設計等領域。她的創作關注，螢幕中的自我感知如何在現實世界中產生微妙的衝突與位移，並在創作過程中不斷轉換觀看的位置，反覆成為自己的觀眾。
她參與的作品曾在美國與台灣多地展演，包括臺北當代藝術館、臺北表演藝術中心、臺中國家歌劇院、REDCAT、LA Dance Project 及 Odyssey Theatre Ensemble。其裝置作品《Look Up》更受邀於西班牙 Sónar+D 2026（巴塞隆納索納爾音樂節）展出。
她知名的影像裝置作品《Look Up》，將影像和「仰望」、「抬頭」的身體動作相結合，透過這個簡單而本能的動作，讓觀看變成召喚記憶的途徑。
作品中，一台即時攝影機與結合 Google Maps API 所生成的「天花板影像」，偵測並模糊參與觀眾的臉孔，如同 Google Street View 中被自動模糊處理的陌生人。當觀眾抬頭觀看時，螢幕中的人像也會同步抬頭，形成一種自我凝視的循環。
這個動作呼應了人們仰望月亮或光源的經驗，也回應了張瑋芳離開台灣後對「距離」與「家」的重新感知：「家」不再只是固定的空間，而是存在於記憶與片段影像之中，讓距離成為一種情感上的延遲與錯位。
她也試圖透過動作與影像的交織，提出一個關於記憶與距離的提問：為什麼當我們想念某個地方時，總會不自覺地抬頭仰望？
在跨越物理界線的虛擬空間中，影像逐漸轉化為一種可被召喚、重返與再建構的記憶場域。抬頭仰望既是一個身體動作，也是一種心理狀態，彷彿透過視線的延伸，人們得以穿越距離，與遠方產生隱約而溫柔的相遇。
穿越時間，靠影像回到曾經的家
在《Look Up》互動裝置作品中，張瑋芳重訪她生命中 4 個重要的家：成長的家、大學時的第一個住所、爺爺奶奶家，以及她在洛杉磯的第一個落腳處。雖然身體已離開，座標卻依舊存在；時間流逝，影像卻得以保存與再現。
對張瑋芳而言，數位地圖成為一種「外部記憶體」，承載個人歷史，也重塑了我們與空間的關係。在虛擬空間裡，界線被重新定義。物理距離不再是阻礙，空間不再只屬於當下。透過投影與環境，影響裝置讓觀者同時存在於過去與現在、此地與彼地，穿梭於記憶與當下的交界。
與張瑋芳的訪談中，她分享了一個令人驚喜的小故事：「製作《Look Up》天空的產生器（generator）時，我偶然在 Google Maps 的街景中看見已過世的阿嬤，她的身影被凍結在某個午後，彷彿從未離開。」這段經驗讓她反思，也許 Google Maps 中的影像紀錄，或許是一種極樂世界，完整且永恆，影像中的人物平等存在，只是龐大資料庫中保存的一筆資料。
她也提到，大部分的人尋找照片時，常依賴位置而非日期：先定位地點，再讓照片、人物與當時情緒浮現。記憶在她身體裡的編碼偏向空間而非時間，地圖不只是導航工具，而是一種觀看與理解世界的方式。這種對空間與記憶的思考，也成為了《Look Up》探索觀看與存在的核心出發點。
《日光域XI》：當太陽跑進螢幕裡
她另件備受關注的影像設計作品，是她以影像設計師身分，參與豪華朗機工於臺北當代藝術館展出的《日光域XI—台北當代藝術館》。
這是件由 301 台平板組成的大型影像裝置：每台平板播放一支獨立生成的影像，卻在空間中拼接成一個持續流動的整體畫面，形成向外擴散的太陽影像網絡。遠遠觀看時，彷彿看見一顆巨大的火球在燃燒，太陽近在咫尺；但觀眾走近時，則會發現整個畫面其實由無數小影像構成，每一個螢幕都在生成不同的視覺版本，交織出震撼的觀看體驗。
「最初接到這個計畫時，我既興奮又覺得非常有挑戰。」她回憶。經過一段時間的技術開發與反覆測試，她逐漸建立起一套渲染流程，讓創作與輸出得以順利進行。
作品的概念核心來自「光」。早期版本的《日光域》以燈光裝置呈現，而在這一版中則轉化為影像，因為在她眼中，影像本身也同樣是一種光的形式。她的靈感源自自然界日升與日落的節奏，並將這種節奏與現代人使用手機時，不斷上下滑動的動作並置思考：「我們好像從曝曬日光，慢慢變成曝曬螢幕，藍光也彷彿成為新的太陽。」
約五分鐘的影像，畫面從自然、炙熱的太陽開始，逐漸進入數位螢幕，化為帶有像素與遊戲語言的影像；接著影像滑入螢幕之中，碎裂成社群媒體式的片段，被演算法分流與推送，指向 AI 的分眾邏輯，最後退回到螢幕背後運作的程式與文字指令。
在創作方法上，瑋芳先建立一組可供 AI 使用的基礎影像，再將每台平板想像為不同的 prompt。團隊共設計了 301 個角色與觀看視角，每個螢幕生成各自的影像版本，但並非彼此孤立，而是在整體裝置中彼此連結，形成一個不斷向外擴散的太陽影像系統。
有趣的是，整段影像始終圍繞著同一顆太陽，改變的從來不是太陽，而是人類觀看世界的媒介與系統。
當好設計師之前，先學會當好觀眾
觀看她的作品，總能發現她透過細微觀察和特殊角度，讓觀眾的感受被悄悄引出。這種能力，其實源自她早年在美國的跨域訓練與實驗經驗。
進入研究所前，張瑋芳其實沒有接受過正規的戲劇設計訓練。她回憶起自己在美國加州藝術學院研究所的第一堂課 Performance by Design：學生必須帶一件物品，與旁人交換，並用這件物品創作一段表演。
那天，她拿到一隻木製駱駝，對要如何用駱駝來表演完全沒有頭緒。駱駝外型很像廁所的喇叭鎖，思考過後，她在排練室各處拍照，把拍照的過程及照片當作自己的表演。
表演結束後，大家開始分享物件背後的故事。她才發現，那隻駱駝其實是一件遺物。這時她才了解，同一件物品，透過不同的設計與情境，可以被賦予完全不同的意義。
她笑稱，自己做了場「很爛的表演」。但這堂課的核心，其實就是不斷做「很爛的表演」、彼此評論：「你看到了什麼？」「為什麼這樣做？」當每個人關注的角度都不同，自然也帶出了──設計師的角色不只是創造，更在於引導觀眾觀看方式的重要意涵。
這段經驗對她日後的跨域實踐影響深遠，也塑造了她在影像設計（video designer）、動態設計（motion designer）、程式設計（programmer）等多重角色自由切換的能力。她認為，能理解團隊中不同角色的思考、翻譯不同語言與觀點，這種能力比單純掌握技能更重要。
除了專業能力的累積外，美國的工作環境也帶給她新的認知。排練及工作時間極為精準，例如排練時，幾分鐘後就要休息，不論進度如何，只要老師或導演宣布休息，所有人都會立刻停止，並在精準的時間內回到崗位。一開始她對「做一半就停止」感到不習慣，但很快發現，這種安排其實能提高專注力，讓頭腦保持清晰，工作效率反而更高。
此外，她也分享，美國團隊的分工往往非常細緻。影像設計不只是單一角色，可能細分為主設計、聯合設計、動畫師、影像程式設計、技術工程、助理等。規模越大，分工越精細，以確保排練進度迅速而精準。若影像設計因技術問題耽誤，將會影響整個創作流程，也難以抽身審視作品，但這種明確分工有助於讓每個人專注於自身責任，同時理解整個製作系統如何運作。
美國團隊成員也很擅長表達與稱讚。雖然有時話很多、重點不集中，但持續表達的過程實際上是一種能力：能將心中畫面或感受翻譯成文字，清楚傳達給他人，甚至說服他人。這對在亞洲環境長大的她而言，是非常珍貴的正向支持，也讓她在跨文化合作中更有自信。她認為，美國團隊浮誇、大聲、直接的個性與自己互補，也讓她學會如何將設計想法有效溝通給團隊。
尋找現場、影像與觀眾間的微妙平衡
在現場表演中，張瑋芳並不會一開始就思考「影像要做什麼」。她會先觀察表演者、感受作品的節奏與狀態，並留意身體的呼吸、停頓與重複，這些時間感比文字更真實。
也就是說，她習慣先成為觀眾，再思考影像是否能成為舞台上的角色。創作過程中，她也常問自己：「如果沒有影像，差別在哪？」對她而言，影像不只是舞台裝飾，而是一層能與觀眾對話、提供資訊的存在。
儘管表演現場總充滿不可控因素，作為影像設計的她，必須學會在失控中尋找平衡，與燈光、舞台、演員及團隊協作。多次合作下，她已學會在放鬆與警覺間切換，隨時調整設計與技術，將突發狀況視為創作的一部分。這種經驗讓她明白，影像的存在不只是呈現，更是一種與表演共生、與觀眾互動的動態關係。
張瑋芳的創作從未侷限於單一領域或風格。她希望持續進入不同場域，無論是大型商業演唱會，或是小眾藝術表演，都能成為探索的實驗場。對她而言，創作是一條持續延伸的線──每一次跨領域合作，每一次技術實驗，都是職涯成長的一部分。保持開放、接受未知，成為她持續前進的方式，也是跨域創作者的核心心法。
執行編輯：洪翊芳
核稿編輯：羅思涵
