一走進那間酒吧，世界就變了色。
霓虹燈閃爍，音樂震耳欲聾，好幾名絢爛奪目的變裝皇后（Drag Queen）在舞台上高歌熱舞，彷彿用每一寸身體對抗現實的沉重。觀眾跟著節奏搖擺、歡呼，酒精與肢體交織成一場絢麗的逃亡。
但就在舞台後方、吧台邊角落──有人焦慮難耐，踱步徘徊，說著即將步入婚姻的恐懼與期待；也有人仍在追憶高中時代，當年那段沒說出口的熱血與暗戀。
神奇的是，並非我在「觀賞」一齣表演，而是我被捲進故事裡，親眼目睹他們的掙扎、選擇，與無法言說的傷痕。每一段青春、每一種愛與遺憾，在這片充滿酒精與音樂的空間裡起伏湧動。
我所參與的，不是一場普通的劇場演出，而是《愛情城市 Love and the City》──由體驗設計團隊「驚喜製造」策劃的沉浸式互動體驗。
《愛情城市》，這場以「愛」為名的百人派對，邀請觀眾化身參與者，走進 7 位角色交織錯綜的情感關係裡。我不只是看見他們的掙扎與選擇，我成為了對話的對象、秘密的傾聽者，甚至在幾杯調酒之後，成為某段情節的牽引者。每一場互動都是親密的、不可預測的，也在模糊關係界線之中，不斷試探觀眾與角色之間的心理距離。
「驚喜製造」創意總監暨共同創辦人陳心龍，受英國暗黑版迪士尼樂園「迪士馬樂園（Dismaland）」啟發，自 2016 年起與團隊持續探索「娛樂」如何成為文化介入的手段，曾推出《無光晚餐》、《微醺大飯店》、《落日轉運站》等作品，形式跨足餐飲、表演、街頭行動與空間設計。其中，知名獲獎 IP《微醺大飯店》更被改編為影集《微醺大飯店 1980s》，在粉絲熱烈期盼下前陣子已於高雄開鏡。
這一次，《愛情城市》選擇將故事安放在一間充滿張力的酒吧 Belle’s in Taipei 之中，以 Drag Queen 的熱力演出作為情緒引爆點，讓觀眾在音樂、酒精與情感敘事中，經歷一場近乎真實的愛情實境劇。以下，本文將分享美國紐約的案例對照，以及《愛情城市》的第一手體驗心得。
從紐約到台北：打開沉浸式劇場的不同方式
其實，《愛情城市》這類型的沉浸式劇場概念並非台灣首創。早在 2010 年代初期，紐約就有劇團開始探索類似的體驗式敘事模式，其中最具代表性的，便是由英國劇團 Punchdrunk 打造的、靈感來自莎士比亞經典名著《馬克白》的《Sleep No More》。
這部作品可說是全球沉浸式劇場的經典範例，不僅徹底打破觀眾與角色的界線，更開啟了劇場作為「可探索空間」的敘事可能──觀眾在昏暗的多層空間中自由穿梭，跟隨不同演員、探索各種場景：從飯店大廳、教堂到解剖室，像是在參觀一座會呼吸的、充滿謎團的劇場博物館。
《Sleep No More》的劇情，透過重複的「Loop」進行，觀眾得自行拼湊出故事的全貌，彷彿參與一場沒有對白的心理迷宮；而《愛情城市》與其最大不同，首先體現在主題取向上。
若說《Sleep No More》傾向於文學與歷史的隱喻深度，《愛情城市》則顯得更即興、迷離、貼近當代人的情感現場──它以愛為名，鋪展關係、性、身分與慾望的各種交錯。空間不再是冷冽神秘的飯店，而是熱鬧、躁動、帶著香氣與酒精濃度的酒吧場域，並加入 Drag Queen 的舞台能量與現場音樂，使整體氣氛更接近一場都市夜生活裡的情感實驗。
其次，在觀眾動線與參與方式上，《愛情城市》選擇了不同的策略。相較於《Sleep No More》的完全自由探索，《愛情城市》採用更有組織的導引形式──觀眾會在特定時機被演員引導，進入不同場景、觀看特定情節。雖然少了那種「誤闖故事現場」的偶然感，卻換來更均衡的觀看節奏與情節分配，也方便整體控時與結構安排。
上述安排在某種程度上，也代表著不同創作邏輯的差異：紐約的《Sleep No More》像是一座劇場迷宮，等待觀眾自行開啟暗門；而台北的《愛情城市》則像是一場情感導覽，讓你在半微醺的狀態下，走進每個人的秘密。
我在劇情裡，不在觀眾席上：一場「沉浸式」愛情體驗
相較《Sleep No More》那種自由探索、深邃隱喻的沉浸式體驗，《愛情城市》所採取的另一種敘事形式，也同樣令人感到驚喜。
它不模仿，也不硬要複製經典的路線，而是選擇回到人的核心──以情感作為主軸，透過高度組織化的互動機制，讓觀眾走進角色的情緒軌道裡。雖沒有那種「迷路式的探索感」，卻多了一種情感導向的精準與直接。
而就在我還沒意識到自己已經「進入角色世界」的那一刻，我已經在劇情裡了。這就是《愛情城市》的巧妙之處。所謂「第四面牆」，在《愛情城市》裡幾乎是不存在的；或者說，它從我踏進酒吧的那一刻起，就早已被巧妙拆除，悄無聲息地。
我才剛入場，就被一位風情萬種的老闆娘熱情迎接，語氣與眼神皆真誠親切，不像角色，更像是熟識的朋友。接著是 Drag Queen 華麗登場，歌舞表演將場子炒熱，然後順勢展開熱絡的團康遊戲，看似一場熱鬧的暖場，卻在不知不覺間成為劇情的開端。
神奇的是，「互動」並不是中斷敘事的插曲，而是推動故事本身的機制。那些遊戲題目看似隨機，實則暗藏巧思──每一道選擇，都是角色世界裡的縮影。例如：「感情與金錢，哪一個才是婚姻的基礎？」「如果伴侶做了摧毀信任的事，你會選擇原諒，還是轉身離開？」觀眾在輕鬆氣氛中給出的答案，無形中成為故事走向的鋪陳，讓每個人既是參與者，也是敘事的觸發點。
這種設計的高明之處在於：它不需要宣告「現在劇情開始了」，因為你早就在故事裡了。遊戲和演出之間沒有明確分界，每一次互動，都是角色情感弧線的一部分，也讓觀眾的選擇與觀點回流進角色裡，形成一場彼此呼應的情感流動。
重新定義「在場」與即興，對演員的要求更高
在這樣的觀賞經驗中，我發現自己很少再去思考「誰對誰錯」，也不再那麼急著下道德判斷。相反地，我被迫停留在情感的現場，被那些瞬間的張力與情緒牽引，回到一種近乎原始的、帶著雞皮疙瘩的「感覺」狀態。這不是因為我放棄思考，而是因為這種互動式的劇場，讓我無法以傳統的觀看距離去「剖析角色」，而是直接被捲進那面名為「戲劇」的鏡子裡，被迫直視自己的反應。
戲劇本來就是鏡子，但當我們坐在觀眾席，隔著舞台、燈光與表演技巧，很容易進入一種安全的觀看狀態──我們可以理性分析、可以發表評論。然而在《愛情城市》裡，那層安全距離被打破。我們離角色只有一步之遙，他們的憤怒、悲傷與掙扎都真實地在你面前上演，你不再只是看見，而是「感到」。
我印象最深的是兩場爭執戲。那不是電影裡刻意拉長鏡頭、配樂催情的戲劇高潮，而是一場情緒難以控制地爆發──你可以看見角色臉上竄起的微血管、聲音中難以掩飾的顫抖與停頓，甚至是眼神閃爍裡沒有說出口的潛台詞。
這種強度，不是因為演員演得多誇張，而是因為我們在場。更驚人的是，這些爭執有時還會轉向觀眾──一句：「你覺得呢？」就讓你從局外人瞬間成為回應者，你的立場、表情、語氣，甚至都可能牽動角色的下一步。
有好幾次，在激烈爭執後，演員突然轉頭對某位觀眾提問，那種措手不及的空氣簡直凝結──你可以清楚看見觀眾臉上的錯愕與彆扭，有人下意識地往後縮，有人慌張地笑出聲。這不是出戲，而是太過入戲，以至於忘了自己也成為情節的一部份。
這也凸顯出，互動式演出對演員的極高要求。
演員們不僅要掌握角色弧線，還得應對現場觀眾的變化，進行局部即興，卻又不能讓故事鬆散或失焦。在情節與互動之間保持精準的張力與節奏，十分考驗臨場反應。不僅要拿捏幽默的時機、回應觀眾的情緒，還要默默推進故事走向，讓整場演出既開放又有結構、既自由又有導引。
這樣的體驗，讓我重新認識了什麼是「在場感」──不只是地理上的「我就在這裡」，而是情感與思考上的真正「我在場」。
「愛」已被講到老掉牙，如何讓觀眾共感？
「曾以為，愛很簡單，要麼擁抱，要麼放手。直到後來才發現，愛從來就是矛盾的存在。」這句標語來自《愛情城市》的宣傳文案，而我必須說，它不只是貼切，更是正中下懷。
在當代語境中，愛情越來越被簡化為一場「選擇題」或「行為準則」。我們在論壇、短影音與社群帳號中，不斷被教導該愛誰、該離開誰，哪些行為踩雷、哪些星座不合、哪些 MBTI 配對最穩，卻很少真正去體會當事人身處其中的掙扎。
當人們急於爭論「誰對誰錯」，就落入了道德判斷的窠臼，也與愛本身漸行漸遠。《愛情城市》最動人之處，就是讓我在這些角色的掙扎中，重新認識愛的模樣。它不教你什麼才是「正確」的選擇，只是把那些真實的矛盾與痛苦攤開在你眼前：想靠近卻又想逃，渴望被理解卻無法表達，明知道無解卻還是捨不得放手。
而這些情感，不是透過抽象理論或大聲說教，而是靠角色一聲聲爭執中的停頓、一個眼神的顫抖、一次對觀眾提問的猝不及防，讓你無法逃避地看見：掙扎本身，就是愛的證明。愛之所以能成為千百年來文學、戲劇不斷回返的主題，也正在於那些混亂、模糊、不可歸類的情感，這才是愛的本質。
或許正是「沉浸式戲劇」的互動形式，讓我們能脫離「對與錯」的窠臼，不再只是旁觀或批判，而是進入角色的痛苦之中，看見那個與你我一樣脆弱的靈魂，如何在混沌裡尋找仍願相信愛的可能。
執行編輯：洪翊芳
核稿編輯：孫雅為
