在倫敦的台灣音樂製作人:為什麼華語流行音樂和世界脫節?為什麼好像沒人在乎這件事?

在倫敦的台灣音樂製作人:為什麼華語流行音樂和世界脫節?為什麼好像沒人在乎這件事?

我是楊威宇 JASS YANG ,在倫敦的台灣人,我的職業是音樂製作人。

不知不覺在倫敦,也快滿 2 年了。在來到這裡之前,我在亞洲的音樂產業一共工作了 8 年,其中 2 年在北京——或許稱不上「知名」,但應該也還算「資深」。來到歐洲的藝文重鎮倫敦,不外乎是想親自看看在講中文以外的世界,大家是怎麼做音樂的。

而這一年多的時間,讓我重新認識了所謂的音樂產業。我不是大師、也不是王牌製作人,但是這段時間除了我自己之外,還沒有找到其他和我一樣在歐洲現代音樂產業奮鬥的台灣人。

如果你對於音樂產業有興趣,歡迎你繼續看下去:

「洗掉所有履歷」,才是真正檢視自我的開始

來到倫敦之後,除了開始研究音樂製作案的接案來源,然後開始適應全英語的錄音室環境、適應歐洲音樂製作案的進行方式、適應和其他樂手溝通的方式⋯⋯另外還得適應倫敦這莫名其妙的怪天氣。

最讓我挫折的是,原本在台灣一直讓我引以為傲的作品履歷,在這裡一點用都沒有:這裡的人沒有一個聽說過我合作過的藝人、沒聽說過我製作過配樂的電視劇、更沒聽說過和我工作過的錄音室和製作人。

對他們來說,我跟一個剛畢業的學生沒兩樣。

但對於一個藝術工作者來說,「洗白了履歷」之後,也是重新自我檢視藝術價值的開始:


Abbey Road Studios 妙台灣專輯母帶製作 https://youtu.be/RLbqB2JShWA


為什麼在歐洲的音樂重鎮倫敦,鮮少、甚至沒有人聽過華語歌手?剛開始我認為那是純粹的語言隔閡,華語流行音樂幾十年來都著重在「演唱者」和「歌詞」,「主唱英雄」的既定印象,也伴隨著華流幾十年來的發展——華語音樂的聽眾,大部分早已習慣把所有的聽覺都關注在(華語的)演唱者身上。

不過後來我換了角度想,如果真的把中文歌都換成英文歌詞,英語聽眾真的就會喜歡嗎?

日本有 X Japan OOR Steve Aoki ⋯⋯等風靡國際的團體和超級DJ、
製作人,韓國近年也有數不完的發光韓星,印度則有 KSHMR 等等⋯⋯當然遠遠不只這些。

但是你可曾有聽說過「風靡英語世界的華人音樂人」?你可曾在世界級的音樂祭,看到過來自「兩岸三地」的藝人?——如果你說:「五月天、周杰倫都有辦過『國際演唱會』啊!」那我想你可能沒有真正參加過他們的海外巡迴。

而同時間,所謂「華人」明明是全世界上最大的種族,中文更是世界上最多人的母語。那到底為什麼,我們會與世界其他地方的音樂產業,顯得如此脫節?又是為什麼,好像從來沒有人在乎過這件事?

經過了好幾個和這裡的音樂人把酒言歡、搖搖欲墜的夜晚,又啃了幾本大家推薦的音樂產業聖經,我想我理出了一些脈絡:


「當音樂人讓唱片公司決定作品的樣子,藝術價值就到此為止了」

長期以來在台灣,如果一個音樂人想要經營自己的作品,用自己的作品累積聽眾,那麼勢必得要透過唱片公司取得必要的資源——例如數位平台上架、實體發行、電台宣傳、校園活動等等。

但幾乎所有「讓作品觸及聽眾」的方式,都由唱片公司把持,畢竟不像現在流行的網路短片,音樂作品相對不容易創造噱頭和話題,在網路上快速吸引目光——尤其當你只是一個初試啼聲的音樂人。但當你需要唱片公司的資源時,別人要不要給你資源、給你多少資源,那就得看別人臉色了。

當音樂人讓唱片公司決定作品的樣子,那麼藝術價值通常也就到此為止了——接下來的就是「流行產業」,而不是「藝術產業」了。

但是很可惜的,我們把「流行產業」與「音樂產業」混為一談,已經很多年了——你可知道每一首大家「唾棄」的「芭樂唱跳華語流行歌」,背後其實都有無數天才大師貢獻了自己的藝術能力,但最後卻是創造了一部藝術價值趨近於零,唱片公司認為會「紅」的作品。

藝術產業和流行產業的本質是衝突的:藝術產業追求的是心理價值,而流行產業追求的是普世流傳。藝術產業細水長流,而流行產業是一下午的大雨滂沱。

若「只講中文」,很難進入「全世界的音樂通路」

另外,如今歐美的音樂人都知道,你我可以很容易的在家裏、在電腦網路上就搞定所有的發行——只要按幾個按鈕,就有服務能夠幫你「放上全世界的音樂通路」,甚至是南美洲和阿拉伯世界的音樂串流平台。但在台灣的話對不起,如果你無法使用全英語的網路平台,仍舊需要唱片公司替你搞定——因為台灣目前還沒有這樣的服務。

目前甚至還有各種平台,幫助你媒合製作音樂作品時需要的合作對象:不論是混音、母帶後製,甚至是 LOGO 設計、動態影像⋯⋯等等。另外還有各種各樣的社群媒體工具和教學,告訴你怎麼建置一套適合你自己的系統,讓你可以找到那些可能會喜歡你的聽眾,並且加深他們和你之間的認同感和親近感。


只要你夠有決心、夠有才華,不需要唱片公司,總有一天你也能夠累積到足夠數量的群眾,支撐你一生的藝術創作——不論是心理層面還是現實生活所需要的收入。我已經親眼見證了許多從無到有的音樂人,靠著自己的作品和少少的支持者,持續支撐著自己的藝術創作。

但是很抱歉,許多這類線上服務,當你把語言切換成中文,就會告訴你「需要人工審核」或是「目前未開放」。進而也導致這些十分方便的工具,幾乎從來不曾被「只講中文」的音樂人注意過。


沒辦法,這個世界就是如此不公平。


做音樂是創業——你要「進軍世界」嗎?

這就是最大的不同了:歐美流行音樂的「天王天后」,其實有很多是以獨立藝人的模式開始,在長時間累積了一定的群眾基礎後,才踏入唱片公司的流行產業鍊,從Live House 的規模,提升到體育館的規模,這點也讓唱片公司和音樂人之間的協商籌碼平衡許多。

台灣近年也是如此,許多在地下社會、河岸留言或 The Wall 等 Live House 「出道」的音樂人和團體,同樣可能因為累積了一定的人氣後,透過唱片公司發片。

但重點是,由於不論是音樂人或唱片公司,對於「音樂」本身的市場想像,往往就只有台灣本地市場、或者對岸的中國市場而已——自然不會尋求接觸不同語言、文化脈絡市場的,藝術創作的更多可能性。也自然不會去想要如何有效地利用這個時代早已有的、垂手可得的「國際化」工具:

如 CDBABY、MANYCHAT、DISTROKID、Music Gateway⋯⋯等族繁不及備載的這些工具和平台,在我來到倫敦的音樂產業之前,連聽都沒聽說過。

西方世界擁有一套不需要靠唱片公司,就能讓音樂人靠自己的作品生存下去的方式,但台灣真的能靠自己作品活下去的創作者,除了少數的鳳毛麟角外總共有幾人?

「在台灣做音樂是就業,在倫敦做音樂是創業」,而我想說的是,台灣的藝術產業,需要大家更勇於「創業」,並且嘗試把觸角延伸得更廣、更遠。

「國際化」或「中國化」,請選一個

另一個更大的問題,在我們的唱片公司對「產業」和「市場」的想像——所以我說,華語音樂產業和世界脫節的原因,是其「目的」。

西洋流行音樂可說是建立在藝術產業上,將藝術產業的規模提昇;反觀台灣唱片公司則是從一開始就在打造流行音樂。這沒有不對,因為韓國人也是如此,但是很可惜台灣的流行產業規模,如今只是一場午後雷陣雨,但人家的是「洪荒之力」,舉全國之力集中在一兩家公司,拼命想向海外開拓市場。

反觀台灣流行音樂產業之所以和世界脫節,是因為高手都去當齒輪了,每一位。而台灣卻不擁有像歐美中日韓的龐大市場或野心——有的話也僅限於「對岸」。但對岸同樣也在加速扶持自己的流行音樂產業,台灣流行音樂人在對岸市場的發展空間,相對來說只會越來越少。

而當作品「以流行為目的」卻「流行不起來」,對不起恕我直言,那就是名副其實的垃圾,只是一群高手一起做出來的垃圾。

藝術價值,才真正讓台灣有國際化的可能——因為我們沒有排山倒海的資源,打造像韓國那樣的流行帝國,而如果台灣的藝術產業不國際化,就只有目前的「中國化」一途了。
中國現在絕對擁有創造(相對封閉的)「華語流行帝國」的資源和本事,但是音樂人們是要創造自己的藝術價值、累積自己的群眾,而且走出市場和語言的侷限,真正面向國際;還是加入「兩岸三地的流行機器」成為一個齒輪,在嚴格的審查中,創作一些自己也不知道喜不喜歡的作品,那就是自己的決定了。

不只是音樂,電影、舞蹈、戲劇都一樣,國際化或中國化,選一個。

我相信,當台灣的每個藝術工作者都清楚知道,該如何累積自己群眾、如何面向國際的時候,台灣的藝術能量將會無可限量,而且是什麼人都偷不走的。

執行編輯:莊宜庭
核稿編輯:張翔一

Photo Credit:楊威宇 提供

異鄉人的天堂路